A música mais longa do Rock

Odeio músicas muito longas. Sou adepto convicto do formatinho 3 minutos pra tocar no rádio. Geralmente qualquer composição com mais de cinco minutos, como Light My Fire por exemplo, que tem sete minutos, me deixa impaciente e com vontade de pular a faixa. Porém como toda regra tem sua exceção existe uma música que não me dá essa sensação. E ela é nada mais nada menos uma das músicas mais longas da história do rock.

“In-A-Gadda-Da-Vida”, é uma música do grupo americano de Acid Rock/Rock Psicodélico "Iron Butterfly", gravada em 1968 no álbum homônimo. A banda excursionou com grandes nomes da época como The Doors, Jefferson Airplane, The Grateful, Traffic, The Who e Cream. A música (que ocupa todo o lado B do disco homônimo) tem um riff poderoso, um baixo marcante e um (vários) improvisos de orgão e inúmeras mudanças de andamento e solos se alongando por inacreditáveis 17 minutos e 5 segundos!

Como todo grande clássico do rock, a gravação, ocorrida em 27 de maio de 1968 no Ultrasonic Studios em Hempstead, New York, era pra ser uma passagem de som, que ficou tão boa que foi gravada em um só take. “In-A-Gadda-Da-Vida” é considerada tão importante quanto"Summertime Blues" (na versão dos Blue Cheers), "Voodoo Child - Slight Return (Jimmi Hendrix)" e "Born To Be Wild" (Steppenwolf, por ser considerado um elo entre o rock psicodélico, hard rock e heavy metal.

Dizem que quando a compôs o vocalista Doug Ingle tentou dizer o nome da música que seria originalmente "In the Garden of Eden", mas a mardita cachaça e generosas doses de LSD devem ter amolecido a boca do rapaz.

O fato é que é uma composição muito interessante dos anos 60, ganhando até uma homenagem do desenho "Os Simpsons" quando Bart troca as partituras da igreja pelas cifras de In-a-gadda-da-vida.

Se quiser conhecer o disco , que tem ótimas composições, bem mais curtas o link é esse.

Obs. Quando falo da música mais longa do rock não considero as longas e enfadonhas suítes de rock progressivo de bobagens como Dream Theater por exemplo. Neste caso o título é de Mike Oldfield com o álbum (ou seria um super-single?) Amarok, de 1990, onde uma faixa tem 60 minutos e 4 segundos. Na versão LP você tinha que virar o disco pra ouvir o resto da música. WTF!

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Os personagens mais pau-dágua da música

O meio musical é famoso pelos excessos. São muitos os relatos e depoimentos sobre festas monumentais produzidas por cachaceiros inveterados. Muitas também são as tragédias causadas pelo consumo excessivo de bebidas alcoólicas. Vamos tentar listar aqui os 10 maiores boêmios da história da música nacional e internacional.

VINÍCIUS DE MORAES

Esse é do tempo da bebedeira arte, da bebedeira poética, da bebedeira de um Rio de Janeiro que não existe mais. Autor de célebres frases como “O uísque é o melhor amigo do homem, o uísque é o cachorro engarrafado”. Nas suas open-houses (como se chamam as festas no apê de gente chique) a birita jorrava como chafariz e a criatividade rolava solta. Essas festas foram cenário da criação de muitas canções geniais e de muitos porres homéricos. Vinícius bebia bem e bebia muito. Pra você ter uma idéia, nos anos 70 o cenário de seu show era uma mesa de bar. Vale uma olhada neste trecho de entrevista dele com o parceirinho de copo Tom Jobim. Vinícius foi um boêmio das antigas que merece um lugar nesta lista. neste trecho de entrevista dele com o parceirinho de copo Tom Jobim. Vinícius foi um boêmio das antigas que merece um lugar nesta lista.

ZECA PAGODINHO

O sambista de Xerém é um dos últimos de sua linhagem que não têm vergonha de assumir sua paixão pela birita. Talvez seja o único (talvez último) artista brasileiro que ainda declara publicamente que gosta de beber “masiotras”. Zeca é visto sempre com um copo de cerveja na mão, tanto que acabou virando garoto propaganda de marca preferida de loira gelada. Chegou a causar até uma briga entre cervejarias rivais pela sua aprovação.

BON SCOTT

O primeiro e saudoso vocalista do ACDC também gostava de molhar o beiço. Ele era o estereótipo do escocês típico: usava seu kilt, tocava gaita-de-fole e era chegado num uísque. Esse era tão cachaceiro, mas tão cachaceiro que realmente morreu por excesso de bebidas alcoólicas. a versão mais aceita para sua morte é a de que tenha sido resultado de hipotermia. Em 1980, após uma noite de farra, ele teria sido deixado dormindo no interior de seu carro durante uma madrugada de temperaturamuito fria.

RAUL SEIXAS

Adorado por rodinhas de pinguços hippies de DCEs pelo Brasil inteiro, o maluco-beleza também gostava de cachaça, um hábito nada aconselhável para quem sofria de diabetes. Tanto é que Raulzito acabou falecendo cedo, em 89, de uma pancreatite recorrente ao abuso da marvada. É clássico o vídeo da internet onde ele aparece no palco completamente chapado e faz um show muito mais interessante do que é feito hoje em dia em luais pelos seus milhares de insuportáveis fãs.

JOHN BOHAN

O baterista do Led Zeppelin tem um histórico invejável de escândalos narco-sexuais, mas acabou derrubado foi mesmo pela cachaça. Um belo dia em 1980, na mansão de Jimmi Page, John Bonham entornou quarenta doses de vodca com suco de laranja (e três enroladinhos de presunto). No dia seguinte, o grupo chamou Bonham para o ensaio e ele não respondeu. Morreu sufocado pelo próprio vômito.

TIM MAIA

Este é um clássico que não sai de moda. Adepto do triatlo (uísque, pó e bauret) Tim bebeu o que podia e o que não podia, foi internado fugiu das internações diversas vezes. Só sossegou mesmo quando entrou pra seita “Universo em Desencanto”, o que não durou muito. Logo Tim se desencantou e regressou à boemia. Nos últimos anos chegou a beber três garrafas de uísque por dia, faltava aos shows e brigava com quem aparecia na frente. Morreu em 98, consequência dessa vida sem regras.

KEITH MOON

O Baterista do The Who também gostava de tomar uns goró, principalmente brandy e gin. Seus porres homéricos e suas confusões são históricos, como destruir quartos de hotel acender fogos de artifício dentro do banheiro e entrar com um Lincoln Continental dentro da piscina. Uma vez, tomou conhaque com comprimidos tranquilizantes para cavalos. Seu companheiro de banda, Pete Townshed (outro que por pouco não entra na lista) declarou: “a gente ficou sabendo que se colocasse meio comprimido dava uma onda interessante, ele gritou ‘Metade? Eu sou Keith Moon!' E tomou quatro pílulas” O resultado: Keith teve um colapso no palco tendo que ser substituído por um baterista da plateia. Moon tanto abusou que acabou morrendo em consequência de uma overdose do medicamento contra o alcoolismo em 78.

BADEN POWELL

Parceiro que é parceiro tem que acompanhar. E este era páreo duro. Autor de vários sucessos em parceria com Vinícius de Moraes e Paulo César Pinheiro, por exemplo, Baden era um gênio do violão tão gênio que assumiu que fez shows sem saber o que tinha tocado. “Eles simplesmente pegavam ele bêbado, colocavam numa cadeira no palco abriam as cortinas. Quando a luz batia em seu rosto, ele tomava um susto e tocava. Às vezes fazia shows de duas três horas sem saber o que tinha tocado”, declarou uma vez Paulo César. Maravilhosamente bem, incluo. Baden morreu em 2000, mas já tinha se livrado da pinga há muitos anos.

RINGO STARR

Porque os bateristas gostam tanto de um birinaite? Ringo é mais um batera famoso que também gosta de um pudim de cachaça. Depois que os Beatles se separaram oficialmente em 1970, Ringo dedicou-se ao que fazia melhor, festas. É fácil ver em diversos bastidores de shows pelos anos 70 a figura do baterista, sempre com um copo na mão, um tremendo arroz de festa do rock. Milionário, festeiro e com um currículo tal que não lhe exigiam que fizesse nada além do que já havia feito nos Beatles, Ringo teve a tranquilidade de passar os próximos 40 anos enxugando garrafas por dentro.

Outros notáveis:
Jim Morrison, Alice Cooper, Chico Buarque, Elton John, Tom Jobim, Eddie Van Halen, Danny Kirwan, David Byron (Uriah Heep), Eric Clapton, Micheal Clarke e Gram Parsons, (Byrds) Ronnie Wood, (Stones), Peter Townshend (Who).

Dicas dos leitores:
Frank Sinatra, Slash (Guns'n'Roses) Nelson Gonçalves, Nikky Sixx (motleycrue) Lemmy Kilmister (Motorhead) .

ATENÇÃO

Este blog lembra aos seus leitores para que bebam com moderação e que, na dúvida, dêem mais uma olhada na lista e vejam quantos dos listados continuam vivos.

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10 músicas para morrer ao volante.

Muitas pessoas culpam o álcool, as drogas, mas definitivamente algumas músicas e direção não combinam. Procurando na internet você vai encontrar diversas listas de músicas e coletâneas para se ouvir ao volante. Aqui no Pérolas vamos mais longe e propor músicas que fazem a gente sentir o pé pesar no acelerador.

Para esta pesquisa uma conclusão: realmente músicas e morte ao volante estão diretamente relacionados aos rocks básicos e simples do estilo Hard Rock. Focados nos riffs e powerchords,  estas músicas estão diretamente ligadas aos giros do motor, estabelecendo revoluções contínuas e cada vez mais poderosas. Vamos a Lista e lembrem-se: Se ouvir não dirija.

01- Highway Star
Este clássico do Deep Purple entra na lista, por falar em sua letra justamente de pega de carros, que coisa melhor que uma letra instigando o sujeito a acelerar o carro? Uma introdução de 35 segundos simulando a aceleração de um motor. Ganha também o mérito de estar incluído na trilha de um dos vídeo-games mais legais de todos os tempos, o Rock n, Roll Racing da Interplay. A música de 1971 está no álbum “Machine Head” de 72.

02- Rock and Roll
Já que Rock n’ Roll é a música do capeta, porque não ir pro inferno cantando a música dele? Nesse verdadeiro hino ao estilo musical, o Led Zeppelin resume bem o que é viver o momento, morrer jovem e de uma forma estúpida. Rock n, Roll foi criada durante uma jam session, quando a banda estava desesperadamente tentando terminar a composição de “Four Sticks”e é uma das poucas músicas a ser creditada a todos os membros. Não importa. É um clássico instantâneo, pega bem em um carro em alta velocidade e entra na lista. A própria GM usou a música em um comercial de Cadillac.

03- Paranoid

Outra música para se ouvir morrendo ao volante, o riff de abertura e a levada sugerem uma emocionante e mortífera corrida de carros. Mais um clássico do clássico R’n’R Racing. Despretensioso como todo clássico, "Paranoid" foi a ultima música gravada antes de fecharem o disco de 1970, e levou 20 a 25 minutos para ser escrita, composta e gravada, por absoluta falta de material para completar o álbum. Resultado. O single estourou (#1 no Reino Unido) e o tal álbum ganhou seu nome.

04- Helter Skelter
O título, que quer dizer “confusão”, também é um famoso e vertiginoso brinquedo de parque de diversões inglês. Uma música contraditória ao extremo (principalmente depois do caso Charles Manson) como esta não poderia ficar de fora. Considerada por alguns como o primeiro hard rock do mundo, a interpretação bombástica dos até então comportadinhos Beatles, não deixa dúvida: Comming down fast! Lembrem-se que supostamente Paul McCartney teria morrido de um acidente de carro. O que coloca a música na lista.

05- Bad to the Bone
Mais um clássico de “Rock n’ Roll Racing” o memorável Riff e essa levada blues resume tudo. Além é claro da letra, “Mau até o osso”, não tem medo de nada, nem de um poste no meio do caminho. A música é do One Hit Wonder George Thorogood and the Destroyers e foi livremente (e descaradamente) inspirada por "I’m a Man" de Bo Didley.

06- Gasoline
Porque não colocar nessa lista a trilha do programa modafoca sobre carros Overhauling? "Gasoline" do Kicking Harold resume tudo que uma boa música para morrer ao volante precisa ter: urgência, garra e potência. Apesar de não ser um clássico do Hard Rock, o caçula da lista tem moral para figurar aqui.

07- Highway to Hell
Essa entra também pelo sugestivo título de “Auto-estrada para o inferno” nem precisa falar nada. É um convite pro pecador bater contra um muro a 180 kph. O ACDC tem uma coleção de músicas pra morrer ao volante como "Back in Black" e "Problem Child". Como homenagem ao auto-destrutivo Bon Scott (que não morreu de carro e sim de garrafa) vamos deixar essa como resumo da ópera, ou seria da Rock-opera?.

08- Burn
O Deep Purple, que tem contra si duvidosas e controversas acusações de plágio, também é conhecida como perita em lançar músicas para bater com o carro. Exemplo disso é o poderoso e urgente riff de "Burn". Perfeito pra quem quer colocar o pé na tábua e se chocar contra a primeira árvore que ver na frente. A gravação é de 74 e pertence a terceira das muitas e muitas formações do Deep Purple.

09- Born to be Wild
Essa música, talvez estivesse melhor representada como música para ouvir morrendo em uma moto. Prova disso é que a canção de 1969 pertence a trilha sonora do igualmente clássico filme "Easy Rider" (Sem Destino). Porém, como as pessoas (exceto alguns motoboys) não têm o hábito de ouvir seus mp3 players nas motos, vamos incluir este sucesso do Steppenwolf na lista de músicas pra ir pro baile no céu usando um paletó de madeira de mogno.

10- The Real Me
Essa nem entra tanto pela guitarra, mas pelo gigante John Entwhistle deslizando os dedos com se fosse um carro em alta velocidade pelo braço de seu contrabaixo. Destaque ainda para a bateria de Keith Moon, provavelmente um dos caras mais “agora ou nuca” do rock ajuda a fechar a cozinha do The Who, uma grande banda, com um grande clássico para abotoar o paletó feito de bandeira da Inglaterra.

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Música Rock -Desvio e Transgressão

"Mistura de ritmos e de gêneros musicais, de sons e tradições, a música corre mais depressa que os homens; ela conseguiu realizar a verdadeira revolução deste século" (...). Ela é, ao mesmo tempo, o espelho e o instrumento de uma transformação política e cultural sem igual na história." (Le Nouvel Observateur no. 1441, 18-24, junho de 1992, artigo de Elizabeth Schemla - La Révolution Musique, pag. 4).

O século XX talvez tenha sido o século que assistiu o nascer, o triunfo e o desmoronamento surpreendentemente rápido e imprevisto de tantas ideologias revolucionárias, do nazismo ao comunismo. Observemos uma fenômeno que se estendeu das modas à religião, do gosto ao comportamento social: o rock n’ roll, em seus pouco mais de sessenta anos de existência, provocou muita polêmica e reações histéricas contra e a favor. Transgrediu regras, rompeu a estabilidade e abriu caminho para uma revolução cultural.

O que se seguiu teve origem na colisão de dois setores tão diferentes na formação quando afinados em seus objetivos. Um nasceu do desejo adolescente de impor sua própria personalidade em um mundo que o subjugava e o subestimava, veio dos jovens determinados a subverter as pressões da sociedade pós-guerra, que contava que todos cumprissem sua função pré-determinada no american way of life: família, oportunidade e torta de maçã. Este grupo surge do anseio de liberdade, para criar sua própria história e trilhar seus próprios caminhos, da recusa em se curvar diante das regras e interpretar seu papel diante à audiência social. Como bem observa o pesquisador argentino Diego Fisherman, com as baixas de guerra, na Inglaterra e Estados Unidos, os adolescentes entravam cada vez mais cedo no mercado de trabalho, esse grupo logo se viu com poder aquisitivo e social, capaz de tomar suas próprias decisões de consumo, criando uma nicho que até então não era relevante: o adolescente de classe média com poder aquisitivo. O outro estrato veio de uma parcela que justamente não tinha acesso ao tal "sonho americano": hispânicos, negros, prostitutas, pequenos e grandes infratores, músicos - todos pertencendo a segmentos populares, dos excluídos, e da classe baixa.

O resultado foi a união do romantismo da jovem classe média idealista e o comportamento marginal dos excluídos pela sociedade. A música rock e a revolução cultural que a seguiu impôs uma nova "arte", uma nova moda. Ela quer a libertação de todas as leis, regulamentos e normas sociais. Ela se impõe à sociedade liberal, é libertária contra tudo o que é refinado e aristocrático, ela ostenta a preferência pelo que é rotulado como sujo, prosaico, baixo, vulgar ou grosseiro.

Conforme dito anteriormente, a explosão do rock'n'roll, em meados dos cinquenta, foi um fenômeno que se desenvolveu à margem dos esquemas que dominavam, na época - como dominam até hoje - o mundo do rádio, discos e show business. Foi obra de uma minoria desprezada, fomada por artistas até então obscuros e de prestígio escasso em face da estética musical vigente e por um público adolescente que ainda não entrava nas cogitações dos grandes donos do negócio musical. Disc-jockeys de algumas estações de rádio sem maior importância e pequenas companhias gravadoras criaram, então, uma despretensiosa infra-estrutura para a nova música - e a novidade surpreendente que ela revelou foi a existência de um novo público de adolescentes, apaixonado pela energia rude e primitiva desses artistas obscuros, um público que logo mostrou ser suficientemente volumoso e fiel para, afinal, captar a atenção das grandes companhias.

Por isso tudo, a música rock começou a ser relacionada com todo e qualquer comportamento desviante repudiado pela sociedade conservadora, como a violência, o homossexualismo, a promiscuidade, o uso abusivo de drogas. A despeito disso torna-se um fenômeno de comunicação de massa quando alcança a classe média. Neste momento é decisiva a participação dos mass media: o resultado foi um golpe violento na reacionária sociedade burguesa americana.

O ódio à autoridade e o amor a rebelião pregado nas canções de rock têm como primeiras vítimas os pais e os mestres dos jovens roqueiros. Em casa, eles se revoltam contra a autoridade do "velho" e da "velha". Na escola (prisão), subvertem toda a ordem, desacatando professores e diretores.

Como força de ação e reação, a reacionária sociedade branca reagiu violentamente contra essa conduta que desafiava as expectativas institucionalizadas da coletividade, acionando o que Cahen denomina jurisdição do desvio, ou seja, grupos de pais, polícia, igreja e setores mais consertadores da mídia para conter o avanço deste comportamento. O resultado foi medidas de controle sociais formais e informais como a censura, proibições, prisões, algumas excomunhões e muito escândalo, aproximando a conduta desviada da música rock de uma conduta delitiva.

Apesar de tudo esses novos paradigmas sociais foram progressivamente absorvidos pela sociedade e por fim, o establishment percebeu que o diabo não era assim tão feio e nada havia mais a fazer senão converte-lo. A conduta desviada começou a ser vista com aprovação. A música rock foi justamente a que melhor foi distribuída, em escala internacional, pelas grandes gravadoras norte-americanas. Em 1960, ela já inundava as lojas brasileiras de discos, por exemplo. A revolução cultural fora contida e tal rock'n'roll servia de novo veículo de difusão do american way of life entre os povos culturalmente colonizados.

O rock'n'roll que, ao explodir, desafiara o sonho americano de maneira anárquica e instintiva, passa a ser o seu defensor, o seu porta-voz, uma criação direta dos homens de negócios da classe média branca norte-americana. Com ele, revitalizaram-se todos os mitos de sua ideologia retrógrada e cruel.

Álbuns Clássicos (#6)

Os Incíveis - Discografia (1963-1979)
(Este mês esse texto meu foi publicado pela International Magazine do Marcelo Fróes. Pra quem não teve a oportunidade de comprar, reproduzo aqui o texto em duas partes)

Os Incríveis e a incrível aventura em busca do sucesso (parte1)

Talvez sejam nos chamados anos sessenta (por anos sessenta vamos compreender aqui, o período entre 1958-1969) que a música brasileira viu as maiores transformações em termos de estrutura, arranjo, melodia, ritmo, estética, contexto e tema: o fim dos anos dourados de JK, os turbulentos anos Quadros, a virada para a esquerda de Jango, o Golpe Militar. No exterior não foi diferente, Guerra fria, Vietnã, Luta pelos direitos civis e contracultura hippie deram a tônica desses anos. Como fenômeno sociocultural e principalmente de reflexão social, a música popular acompanhou todas essas influências mudando e se reinventando radicalmente ano após ano desde o lançamento da suavidade elegante da Bossa Nova, até a explosão sensacionalista do Tropicalismo.

E o que que isso tudo tem a ver com “Os Incríveis”? Tudo. São poucas as bandas da época em que pode-se perceber as nuances desta paleta de influências tão claramente como em sua discografia. Então, vamos analisar os discos lançados pelo sexteto durante este período e indo além, observando o rumo que o grupo toma até o fim da década de setenta. Encontrando em cada um deles, sinais da transformação estética da MPB neste período.

No início dos anos 60 havia uma banda de rock paulistana chamada “The Clevers”. Formada por Domingos Orlando, ou "Mingo" (voz e guitarra), Waldemar Mozema, "Risonho" (guitarra), Antônio Rosas Seixas, "Manito" (teclados, vocal e sax), Luiz Franco Thomaz, "Netinho" (bateria), Demerval Teixeira Rodrigues, "Neno" (baixo), que foi substituído em 1965 por Lívio Benvenuti Júnior, o "Nenê". No início a banda tocava covers das bandas The Shadows e The Ventures, twists e sucessos da Jovem Guarda. Por problemas legais (Um ex-empresário se apossou do nome, batizou outro conjunto como “Clevers” e ameaçou processar a banda antiga), tiveram que trocar o nome do grupo, se lançando como os “Incríveis Clevers” e depois apenas “Os Incríveis”. Apesar da bizarra troca de nome no auge do fenômeno da Jovem Guarda, o grupo seguiu firme se apresentando na TV e gravando canções. Hits como “O Milionário” alcançaram sucesso e catapultaram álbuns entre 63 e 66 e fizeram dos Incríveis a banda de rock preferida do Brasil. Chegaram até mesmo a lançar um disco em espanhol “Los Increíbles” tocaram ao vivo na Europa, compraram equipamentos modernos e roupas da moda na Swingin London e fizeram uma vitoriosa turnê ao Japão que acabou em single. Em meados da década Os Incríveis eram famosos no Brasil e no exterior e tinham os melhores equipamentos de som e de luz do país.

Em 1967, com o esgotamento da fórmula estética do Iê,iê,iê, coube a banda se segurar onde podia tentando tatear o sucesso. Os Beatles (no momento a principal referência) estavam entrando em conceitos bem mais diversificados como misticismo, psicodelia, crítica social, experimentalismos, coisa que muitas bandas de rock tentariam emular, mas pouquíssimas conseguiriam realmente. Grupos como Brazillian Bitles, Beat Boys, Liverpool, Brasas tentaram desesperadamente deixar seu som mais “moderno” muitas vezes com resultados que beiram o humor involuntário. Os Incríveis também tentaram.

Vieram os álbuns de 1967 “Neste Mundo Louco”(trilha sonora de um filme homônimo gravado durante a turnê Européia) e “Para os jovens que amaram os Beatles e os Rolling Stones”. O primeiro é uma coleção descomprometida de diversas canções em inglês como “Hold Tight” do grupo britânico Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich e uma curiosa versão de “Mamãe passou açúcar em mim”, que Carlos Imperial jurava que seria gravada pelos Rolling Stones.

Um dos méritos dos Incríveis era que por contar com ótimos músicos e vir do rock instrumental, rápido e preciso. Com isso a banda era extremamente entrosada e tocava muito bem. “Para os jovens...” conta com diversas faixas instrumentais, além disso, os arranjos são sensivelmente mais delicados, há uma preocupação maior com a harmonia vocal, num estilo que se aproxima ao dos Beach Boys (Há inclusive “Nosso Trato” uma boa versão de “Dont Worry Baby” do quinteto californiano). Por outro lado “Era um garoto que como eu amava os Beatles o os Rolling Stones” (G. Morandi, versão de Brancato Jr.) traz pela primeira vez o tema da Guerra do Vietnã para a música pop brasileira. A música é um sucesso e dá longevidade e principalmente credibilidade ao grupo. Essa canção aliás, mais de 20 anos depois seria ressuscitada pelos gaúchos do “Engenheiros do Havaí”. Visualmente, a partir daqui veremos mudanças nas capas dos álbuns: cores psicodélicas, tratamento artístico, tipografia no estilo da época. As roupas também flertam com a psicodelia.

No auge do sucesso, a banda ganhou fôlego para experimentar coisas novas. Em 1968 lançam “Os incríveis Internacionais” numa clara tentativa de elevar seu som a um nível “exportação”. A música brasileira como um todo estava se abrindo ao estrangeiro, o Tropicalismo estava nascendo, Caetano Veloso e Gilberto Gil defendiam o Som Universal com “Alegria, Alegria” (que tirara "Era um garoto..." do topo das paradas) e “Domingo no Parque”. Na mesma época o rei da Jovem Guarda Roberto Carlos voltava seu repertório para um espírito Soul, abusando dos metais e da voz rasgada. Esse espírito se reflete claramente neste álbum.

“Os Incríveis Internacionais” gravam em inglês, apresentando uma excelente cover bluseira dos Stones em “Time is on my Side” e uma duvidosa gravação de I Fell Good, sucesso na voz de James Brown. Ainda temos tentativas de fazer um som debochado como o dos Mutantes, o que pode-se ver no estilo de canto irreverente e nas risadas involuntárias capturadas nas gravações e até mesmo na inacreditável “Pirolito”, que quase destrói um bom álbum. Ainda neste LP, vê-se reflexos da vitoriosa turnê ao Japão citada, que foi tão emocionante e consagradora para os Incríveis que rendeu três faixas: “Kokorono-NIji” “Sayonara, Sayonara” e “I love you, Tokio” (com partes cantadas em japonês!).

(continua)