Pérolas do Cinema (#8)

Brüno – (Lerry Charles 2009)

Brüno não é uma bobagem estereotipada sobre gays. Mas também não é tudo isso que a maciça campanha de marketing está falando. Simplificando, a fórmula de Sasha Baron Cohen é a mesma da usada em Borat. Uma série de pegadinhas politicamente incorretas com câmera escondida ou simulando um programa de entrevistas real, onde o comportamento constrangedor e os comentários imorais fluem, confundindo e ofendendo gratuitamente o entrevistado. Depois, junta-se todo este material, adicionando algumas cenas com atores e constura-se uma história, deixando o espectador sem saber o que é real e o que é falso.

Nesta fórmula, com esquetes muito mais bem feitas e costuradas, os méritos são todos de Borat, deixando Brüno com cara de uma continuação, graças à repetição de alguns clichês, piadas e formatos já usados antes e que não contribuem para o ineditismo do produto final

Na história, o fashionista austríaco Bruno é demitido de seu programa de TV e, para resolver todos os seus problemas, vai até Los Angeles para se tornar uma celebridade. Chegando lá, se mete em muitas confusões graças à sua visão de mundo e de valores distorcida pela indústria da moda e do star system.

Talvez se a história seguria melhor. Quem viu o Programa de Cohen na TV sabe do que estou falando. O quadro de Brüno é muito melhor que o quadro de Borat, o que não se verifica na transposição pro cinema.

Metade das pegadinhas soam bobas e repetitivas, a impressão que dá é que tudo poderia ser mais engraçado e melhor aproveitado. Justiça seja feita, existem também cenas muito boas como a do programa de auditório e a do focus group do piloto do novo programa independente do apresentador

Já que perdemos o elemento “novo”, o que fica de válido e consistente é a crítica ácida ao mundo da moda e das celebridades. Cohen denuncia a inversão de valores, a arrogância, e o pragmatismo nesse universo. A obsessão de Bruno em virar uma celeb e os meios que ele utiliza para atingir este fim se tornam assustadoramente desconfortáveis quando você se lembra que existem realmente pessoas capazes de tudo para ficarem famosas.

Além disso, ao contrário do que lemos por aí, o filme não é uma crítica ao mundo gay, mas uma exposição em praça pública da homofobia latente americana, assim como Borat expunha a xenofobia no país da liberdade.

Com a fórmula um tanto desgastada, espero que Sasha não invente agora fazer um filme do Ali-G que é o mais sem-graça de seus personagens. (Update: já fizeram, foi o primeiro e o mais fraco)

Cena para lembrar: Espere até o final do filme. O clip gravado por Bruno e seus amigos no fim da história vale toda a experiência.

Cena para esquecer: O pirucóptero do Bruno. É para traumatizar. Felizmente a versão que chega ao Brasil não possui essa cena, cortada na edição final. Update: recebemos a informação de que a cena está lá. Prepare-se.

Cotação PPP: O recém nascido não quer ser trocado por um Ipod. Por um Iphone tem negócio.

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Pérolas do Cinema (#7)

17 Outra Vez ( 2009 – Burr Steers)

Norte-americanos têm uma fascinação com o ensino médio. Também pudera. Nos Estados Unidos a HighSchool não é igual ao nosso “Segundo Grau”, onde você vai às aulas de manhã te tem a tarde livre pra ter outros amigo, outras atividades, não. A HighSchool americana toma 100% da vida social dos adolescentes. Eles passam praticamente o dia todo na escola, nas aulas regulares ou nas muitas atividades extra-curículares. É lá que fazem seus amigos e inimigos, encontram suas turmas, seus amores. Soma-se isso à patológica ética americana do elogio ao Popular e a ojeriza ao Loser. Enfim, é uma experiência tão forte e às vezes tão traumática que fica enraizada no subconsiente americano. Por isso mesmo acaba sendo tema preferido de milhares de filmes com este plano de fundo.

Assim, existem dois tipos de filmes bem comuns. Os que se passam na HighSchool e os que a personagem volta ao colégio, com sua mentalidade de adulto para reescrever sua história. É o caso de “17 Outra Vez”, com Zac Efron Mattew Perry.

No filme, Mike O'Donnell é um rapaz enquadrado na esfera dos populares, mas que, contrariando todas as regras tem um amigo nerd, Ned (falo do nerd porque ele vai ser responsável pelas melhores cenas do filme, aguardem). Astro do basquete o jovem tem uma carreira promissora e uma provável bolsa de estudos para jogar basquete universitário. Mas, ao descobrir que sua namoradinha de escola está grávida, larga tudo e se casa com ela.

Nesse momento vamos direto ao presente, onde um fracassado Mike vive se lamentando por ter perdido as chances de explorar todo seu potencial. Ele tem um emprego medíocre, com chefes muito mais jovens que ele, um casamento fracassado e nenhuma conexão com os filhos. É quando por obra de um misterioso guia espiritual (o famoso estereótipo do zelador sábio) ele tem a oportunidade de rejuvenescer e entender o sentido de sua vida.

Assim nosso herói começa sua jornada de auto-descoberta, tem que ajudar o filho a escapar dos Valentões da escola e a filha a colocar algum juízo na cabeça. E ainda reatar a conexão com a esposa.

O filme não tem manda de mais, é mais um da linha “troca de corpos” de “Quero ser Grande” “Vice versa” “De repente 30” “De volta aos18” e outros da mesma linha, que lidam com uma nova chance de aproveitar as oportunidades perdidas, mas é despretensioso e agradável de assistir. Só não espere nada muito genial. É um filme mediano de sessão da tarde. Pra ver comendo pipoca.

Mas então, porque usar esse espaço para falar de “17 Outra vez”? Lembra do amigo Nerd que eu mencionei lá em cima? Pois é, no futuro Ned (Thomas Lennon) se transforma num milionário desenvolvedor de softwares (ele desenvolve um programa que evita downloads ilegais de músicas, para anular um programa de download ilegal de músicas criado por ele mesmo) Graças ao Ned, e a um roteirista tão nerd quanto, o filme é uma enxurrada de referências sutis e escrachadas ao universo de Star Wars, Comics e Senhor dos Anéis. E isso realmente ganha o filme pra mim. A cama do cara é um landspeeder usado por Luke em “Uma Nova Esperança”. Ned e Matt chegam a travar um duelo de sabre de luz a certo ponto.

Cena inesquecível: O jantar entre Ned e a Diretora da escola, quando ele comenta que é só um bobo que gasta milhares de dólares no cajado usado por Gandalf, o cinzento em “As duas Torres”. Zac Efron também é destaque, ele pega bem alguns maneirismos de Mattew Perry, além disso apresenta tudo aquilo que você já viu em Highschool Musical: faz cara de bonzinho, joga basquete, dança, mas não canta. Ainda bem.

Cena pra esquecer: Tirando as hilárias referências nerds é um filme que não dura muito na memória. Mesmo para os fãs de Zac Efron e “Highschool Musical”. A participação de Mettew Perry é bem apagadinha, ele quase não tem chances de soltar o Chandler Bing que ele guarda dentro de si. Ainda bem.
Cotação PPP: O recém nascido quer ter 17 logo!

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Pérolas do Cinema (#6)

Comando para Matar (1985- Mark L. Lester)

Hoje vamos esquecer os lançamentos e lembrar um clássico do cinemão americano. E, porque não? Falaremos desta obra prima de Arnold Schwarzenegger. O filme que todo garoto já teve gravado em casa, "Commando", (ou se preferir "Comando para Matar", o título sem sentido e sem noção adotado no Brasil) com roteiro de Steven E. de Souza, o cara de praticamente inventou um gênero, o filme de ação. Este texto contem muitos e muitos spoilers.

Update. Depois de ler esse post do Melhores do Mundo descobri que os diálogos são provavelmente de Jeph Loeb. Matthew Weisman também participa do roteiro escrito a três mãos.

O filme começa com uns caras malvados matando algumas pessoas normais. Algumas mortes depois, vemos o Arnoldão carregando uma serra elétrica e um troco de árvore na costas. Logo descobrimos que esse homem sério e assustador tem como contraponto uma alegre filhinha pré-adolescente (Jenny, vivida por uma jovem Alyssa Milano). Assim, assistimos grandalhão mal-encarado se transformar em um pai amoroso e brincalhão. Podemos deduzir que a menina representa a humanidade do personagem, e não queremos que essa humanidade seja afastada do protagonista certo? Errado!

Eu sou é bom!

Depois de uma piada horrenda sobre Boy George (-Porque não chamam logo de Girl-George? Evitaria toda a confusão! Haha, boa Arnoldão, seu machão!) descobrimos que Schwuarza, no filme o “Coronel John Matrix”, (que nome! Boa De Souza!) é um ex-oficial das forças armadas a que se aposentou e agora dedica sua vida a cuidar da filhinha.

Subitamente, o café da manhã em família é interrompido pelo barulho de um helicóptero. É...como diz o poeta, um homem deixa a guerra, mas a guerra nunca deixa o homem. (Você já viu que isso vai dar merda) .Felizmente é um dos antigos parceiros de Matrix, General Franklin Kirby, que vem avisá-lo que alguns de seus antigos companheiros “Contras” estão sendo assassinados e que ele pode ser o próximo da lista.

Não dá outra. Graças ao seu extraordinário super-faro que o avisa do perigo, Matrix consegue prever um atentado (que aliás é totalmente contra os propósitos do vilão do filme, o que descobrirmos depois) e matar alguns mercenários aleatóreos. A filha do ex-militar é levada e um capanga genérico fica para negociar o resgate. É quando temos nosso primeiro diálogo de efeito:

- Para ter sua filha de volta você precisa cooperar, certo?

- ERRADO!!! (Matrix explode a cabeça do capanga)

John corre para resgatar sua filha e descobre que os malvados cortaram os cabos de sua caminhonete. Isso vai impedi-lo? Não!!! Por Deus! Esse é John Matrix! O cara simplesmente empurra o carro ladeira abaixo e consegue alcançar os bandidos. Ele luta enlouquecido mas é derrubado pela horda mercenários armados com metralhadoras.

Fique feliz Matrix, é sua única cena usando correntes!

Matrix acorda acorrentado numa mesa e descobrimos finalmente quem é o grande vilão da história. Um ex-companheiro de exército, expulso do grupo por ser violento demais e que sempre nutriu um desejo de vingança. (PQP, que motivação). O bandidão “Bennet”, na verdade uma espécie de Freddy Mercury barrigudinho e com uma inacreditável camisetinha de cota de malha, foi contratado por um ditador deposto de uma republiqueta centro-americana, “Valverdi”, que quer voltar ao poder, mas para isso precisa eliminar o presidente Velasquez. E que homem melhor para o trabalho que John Matrix, que ajudou a colocar o novo presidente lá? A trama se descortina.

Nada como um vilão canastra vestindo cota de malha...

Antes de dizer seu velho bordão “Eu voltarei!”, temos os personagens a caminho do aeroporto onde um almofadinha baixinho com cara de yupppie que sabe-se lá porque faz parte dos violentos mercenários de Bennet, faz piadinhas com Matrix. É quando o mocinho não perde tempo e dispara.

“Gosto de você Sully, é por isso que vou te matar por último!”

Mas não, não é em nenhuma desses diálogos maravilhosos que eu quero me focar agora. É na cena do avião que temos uma das melhores falas do filme. Depois de quebrar o pescoço do bandido que o escoltava, John coloca um chapéu no seu rosto, pede a aeromoça cobertor e travesseiros e dispara:

-Não incomode meu amigo, ele está morto de sono!

GE-NI-AL! O cara tão bom no sarcasmo quanto no massacre.

Bem, voltando ao filme, Matrix, encontra uma saída pelo trem de pouso e PULA do avião, caindo, são e salvo, de uma altura de centenas de metros em uma espécie de mangue. O herói tem apenas 11 horas para encontrar a quadrilha, salvar sua filha e promover um dos maiores banhos de sangue já vistos no cinema.

Run, Matrix, run!

De volta ao aeroporto Matrix localiza o almofadinha Sully e, com a ajuda de uma garota que recruta aleatoriamente (Cindy), começa a segui-lo. Eles vão parar num shopping center, onde Sully faria uma espécie de negociação. John pede para Cindy seduzir Sully e traze-lo até ele.

Nesse ponto vemos que Matrix, apesar de ser um homem intimidador, abusa da gentileza de estranhos. É claro que a moça chama a polícia e o cara acaba em um arranca-rabo com os seguranças do Shopping. Sully percebe a confusão e tenta fugir, mas é perseguido pelo herói que rouba o carro da garota alcaguete. Por alguma razão desconhecida e completamente incongruente ela pede pra ir no carro com ele.

Porque estou fazendo isso!?

Perseguição na estrada! Mesmo dirigindo um carro mediano, Matrix consegue alcançar um Porsche e tira-lo da pista, mas não sem antes bater em cheio contra um poste.telefônico. É interessante notar que, apesar de não estarem usando cintos de segurança ninguém é ferido.

A morte de Sully deve ser comentada. Matrix o segura pelo pé num penhasco e diz: "vou te ensinar uma coisa importante sobre a lei da gravidade". Assim, após conseguir toda a informação necessária para continuar sua missão, temos mais um diálogo inesquecível que entra para a história do cinema:

-Sully, lembra quando eu disse que ia te matar por último?

-Isso mesmo! Você prometeu!

-Eu menti!

É, mano...Coronel John Matrix não sabe cumprir sua palavra mesmo! Pior é que quando Cindy pergunta o que ele fez com Sully, John carregando no humor negro responde: "Eu o soltei!".

Uri Gueller instantâneo

Depois de virar o Porsche de Sully com suas próprias mãos (perceba que, por algum erro de continuidade, o carro está amassado do lado errado!) Matrix se dirige até um motel de beira de estrada encarar seu próximo desafio e, porque não, seu próximo diálogo super-espirituoso:

-Esse Boina-Verde aqui vai quebrar a sua cara!

- Eu como boinas-verdes no café da manhã, e estou faminto!

Nesse ponto temos os primeiros peitos do filme e uma morte por empalamento. Só mais um dia na vida do Cel. Matrix.

Descobrindo onde sua filha está escondida Matrix decide ir pra guerra. Para se armar até os dentes, invade uma loja que vende equipamentos de camping, caça, pesca além de e granadas, lança foguetes, armas de grosso calibre (porque não?). Mencionei que Schwarza entra na loja com um trator?

Ufa! o roteiro finalmente chegou!

Depois dessa, claro que a polícia chega e leva o não tão esperto militar em um camburão. É justamente quando temos uma das cenas mais absurdas de todos os tempos. Cindy, que ainda acompanha Matrix (não se sabe por que) dispara contra o camburão com o lança foguetes, atingindo-o com uma precisão tal que nenhum dos ocupantes é ferido. Nenhum treinamento militar do mundo é melhor que uma garota maluca e um roteirista ensandecido. Great shot kid, one in a million!

Enfim, após matar mais uns capangas genéricos, eles roubam um hidroavião e seguem rumo a ilha onde estão Jenny e o Freddy Mercury prateado.

Preparado para ver sangue? Após uma desnecessária cena do Arnoldão de sunginha e uma obrigatória cena do herói se vestindo pra guerra no melhor estilo Rambo, estamos prontos para criar uma esteira de cadáveres que nos levarão até o fim do filme.

John começa em silêncio, matando os guardas de maneira violenta e silenciosa, enquanto posiciona bombas-relógio em algumas casas. Depois que esses prédios incrivelmente falsos explodem (a mesma explosão de nove ângulos diferentes) as balas começam a voar.

você vai sentir uma pontadinha de nada

Bennet, o Freddy Mercury prateado, que a essa altura já percebeu que seu plano falhou, vai até o quarto onde Jenny está presa para matá-la mas, surpresa! O sobrenome dela é Matrix: a menina fuge abrindo um buraco nas tábuas que selavam as janelas.

Enquanto isso, Matrix se envolve em uma inacreditável carnificina envolvendo ferramentas de jardinagem.

Passando pelos subalternos, o exército-de-um-homem-só John Matrix está pronto para encarar o vilão principal, mas não antes de enfrentar o tal ditador deposto, que no melhor estilo Tony Montana ataca Matrix em campo aberto, acaba tomando chumbo e caindo de uma sacada.

Headshot!

John agora está em uma espécie de porão onde Bannet (que consegue recapturar sua filha) o espera. Depois de passar um mind game no vilão, Matrix o convence a encará-lo mano a mano em uma briga de faca. Coisa de macho.

Duas coisas acontecem nessa cena que merecem comentários: Em certo momento Bannet é jogado contra uns cabos de alta voltagem. Ao invés de morrer, o que seria compreensível, o vilão parece ter suas energia recarregada (energia, sacou?) avançando contra Matrix com vigor redobrado (WTF!)

A segunda incrível passagem acontece no fim, quando Matrix ARREMESSA um cano de metal contra Bennet, que não só o empala, (pra que serve a camisetinha de cota de malha?) como ainda atravessa uma caldeira atrás dele, fazendo uma quantidade enorme de vapor passar por dentro do cano atravessando o corpo do antagonista. Claro que Schwarza não deixa por menos:

-Desabafa um pouco Bennet!

PUTAQUIPARIU, QUE FILME!

Exatamente 119 mortes depois, Matrix sai do inferno carregando sua filha no colo, para viverem felizes para sempre na choupana da montanha. Assim termina um dos piores e mais espetaculares filmes de ação dos anos 80.

Não olhe filha, não é nada bonito o que o papai fez lá atrás...

O treiler você vê aqui

O resumão em 10 minutos você vê aqui

Se você teve vontade de rever esse clássico, sugiro ainda o jogo do site Lazydork

Commando Drinking Game

Sirva uma dose da sua bebida preferida e beba uma toda vez que:

1. Matrix olha pro relógio

2. Alguém diz "Matrix"

3. dois vilões estão falando sobre Matrix

4. Cindy está ansiosa ou com medo

5. Matrix tenta contactar o General Kirby

6. Alguém morre, ou quase morre

Agora, se você quiser ficar realmente bêbado:

7. Cada vez que alguma propriedade é avariada

Cena pra lembrar: Total Gore! Matrix corta fora o braço de um capanga genérico com uma faca de jardinagem e brinca de shuriken com serra de marcenaria.

Cena para esquecer: Para acentuar toda a tranquilidade com que viviam John e Jenny em sua cabine nas montanhas seguem contrangedouras cenas dos dois tomando sorvete e alimentando um filhotinho de cervo, era mesmo necessário?

Cotação PPP: O recém nascido que aprender logo a falar pra dizer frases de efeito como nesse filme!

Álbuns Clássicos (#6)

Os Incíveis - Discografia (1963-1979)
(Este mês esse texto meu foi publicado pela International Magazine do Marcelo Fróes. Pra quem não teve a oportunidade de comprar, reproduzo aqui o texto em duas partes)

Os Incríveis e a incrível aventura em busca do sucesso (parte1)

Talvez sejam nos chamados anos sessenta (por anos sessenta vamos compreender aqui, o período entre 1958-1969) que a música brasileira viu as maiores transformações em termos de estrutura, arranjo, melodia, ritmo, estética, contexto e tema: o fim dos anos dourados de JK, os turbulentos anos Quadros, a virada para a esquerda de Jango, o Golpe Militar. No exterior não foi diferente, Guerra fria, Vietnã, Luta pelos direitos civis e contracultura hippie deram a tônica desses anos. Como fenômeno sociocultural e principalmente de reflexão social, a música popular acompanhou todas essas influências mudando e se reinventando radicalmente ano após ano desde o lançamento da suavidade elegante da Bossa Nova, até a explosão sensacionalista do Tropicalismo.

E o que que isso tudo tem a ver com “Os Incríveis”? Tudo. São poucas as bandas da época em que pode-se perceber as nuances desta paleta de influências tão claramente como em sua discografia. Então, vamos analisar os discos lançados pelo sexteto durante este período e indo além, observando o rumo que o grupo toma até o fim da década de setenta. Encontrando em cada um deles, sinais da transformação estética da MPB neste período.

No início dos anos 60 havia uma banda de rock paulistana chamada “The Clevers”. Formada por Domingos Orlando, ou "Mingo" (voz e guitarra), Waldemar Mozema, "Risonho" (guitarra), Antônio Rosas Seixas, "Manito" (teclados, vocal e sax), Luiz Franco Thomaz, "Netinho" (bateria), Demerval Teixeira Rodrigues, "Neno" (baixo), que foi substituído em 1965 por Lívio Benvenuti Júnior, o "Nenê". No início a banda tocava covers das bandas The Shadows e The Ventures, twists e sucessos da Jovem Guarda. Por problemas legais (Um ex-empresário se apossou do nome, batizou outro conjunto como “Clevers” e ameaçou processar a banda antiga), tiveram que trocar o nome do grupo, se lançando como os “Incríveis Clevers” e depois apenas “Os Incríveis”. Apesar da bizarra troca de nome no auge do fenômeno da Jovem Guarda, o grupo seguiu firme se apresentando na TV e gravando canções. Hits como “O Milionário” alcançaram sucesso e catapultaram álbuns entre 63 e 66 e fizeram dos Incríveis a banda de rock preferida do Brasil. Chegaram até mesmo a lançar um disco em espanhol “Los Increíbles” tocaram ao vivo na Europa, compraram equipamentos modernos e roupas da moda na Swingin London e fizeram uma vitoriosa turnê ao Japão que acabou em single. Em meados da década Os Incríveis eram famosos no Brasil e no exterior e tinham os melhores equipamentos de som e de luz do país.

Em 1967, com o esgotamento da fórmula estética do Iê,iê,iê, coube a banda se segurar onde podia tentando tatear o sucesso. Os Beatles (no momento a principal referência) estavam entrando em conceitos bem mais diversificados como misticismo, psicodelia, crítica social, experimentalismos, coisa que muitas bandas de rock tentariam emular, mas pouquíssimas conseguiriam realmente. Grupos como Brazillian Bitles, Beat Boys, Liverpool, Brasas tentaram desesperadamente deixar seu som mais “moderno” muitas vezes com resultados que beiram o humor involuntário. Os Incríveis também tentaram.

Vieram os álbuns de 1967 “Neste Mundo Louco”(trilha sonora de um filme homônimo gravado durante a turnê Européia) e “Para os jovens que amaram os Beatles e os Rolling Stones”. O primeiro é uma coleção descomprometida de diversas canções em inglês como “Hold Tight” do grupo britânico Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich e uma curiosa versão de “Mamãe passou açúcar em mim”, que Carlos Imperial jurava que seria gravada pelos Rolling Stones.

Um dos méritos dos Incríveis era que por contar com ótimos músicos e vir do rock instrumental, rápido e preciso. Com isso a banda era extremamente entrosada e tocava muito bem. “Para os jovens...” conta com diversas faixas instrumentais, além disso, os arranjos são sensivelmente mais delicados, há uma preocupação maior com a harmonia vocal, num estilo que se aproxima ao dos Beach Boys (Há inclusive “Nosso Trato” uma boa versão de “Dont Worry Baby” do quinteto californiano). Por outro lado “Era um garoto que como eu amava os Beatles o os Rolling Stones” (G. Morandi, versão de Brancato Jr.) traz pela primeira vez o tema da Guerra do Vietnã para a música pop brasileira. A música é um sucesso e dá longevidade e principalmente credibilidade ao grupo. Essa canção aliás, mais de 20 anos depois seria ressuscitada pelos gaúchos do “Engenheiros do Havaí”. Visualmente, a partir daqui veremos mudanças nas capas dos álbuns: cores psicodélicas, tratamento artístico, tipografia no estilo da época. As roupas também flertam com a psicodelia.

No auge do sucesso, a banda ganhou fôlego para experimentar coisas novas. Em 1968 lançam “Os incríveis Internacionais” numa clara tentativa de elevar seu som a um nível “exportação”. A música brasileira como um todo estava se abrindo ao estrangeiro, o Tropicalismo estava nascendo, Caetano Veloso e Gilberto Gil defendiam o Som Universal com “Alegria, Alegria” (que tirara "Era um garoto..." do topo das paradas) e “Domingo no Parque”. Na mesma época o rei da Jovem Guarda Roberto Carlos voltava seu repertório para um espírito Soul, abusando dos metais e da voz rasgada. Esse espírito se reflete claramente neste álbum.

“Os Incríveis Internacionais” gravam em inglês, apresentando uma excelente cover bluseira dos Stones em “Time is on my Side” e uma duvidosa gravação de I Fell Good, sucesso na voz de James Brown. Ainda temos tentativas de fazer um som debochado como o dos Mutantes, o que pode-se ver no estilo de canto irreverente e nas risadas involuntárias capturadas nas gravações e até mesmo na inacreditável “Pirolito”, que quase destrói um bom álbum. Ainda neste LP, vê-se reflexos da vitoriosa turnê ao Japão citada, que foi tão emocionante e consagradora para os Incríveis que rendeu três faixas: “Kokorono-NIji” “Sayonara, Sayonara” e “I love you, Tokio” (com partes cantadas em japonês!).

(continua)

Pérolas do Cinema (#3)

The Wrestler (2009-Darren Aronofsk)


Como já disse várias vezes Rubens Edwald Filho, o Galvão Bueno das transmissões cinematográficas, Mickey Rourke é um figuraça. Mickey, como muitos sabem, abandonou o cinema depois de algumas atuações interessantes como em “Coração Satânico” para se dedicar ao Boxe profissional. Depois de muitos anos, umas tantas lutas, muitos ossos, dentes quebrados e um rosto arruinado, o ator decidiu voltar às telas. O primeiro desafio foi um tanto simples, no super-cult “Sin City”, Rourke interpretou o brutamontes Marv, que parecia ser o papel perfeito pra ele. Até agora.

The Wrestler, conta a História de Randy "The Ram" Robinson, um lutador que teve seu auge na década de oitenta e agora sustenta uma patética e fracassada vida como lutador das divisões de “várzea” da federação americana de luta-livre, morando em um trailer e vivendo entre inferninhos e lutas em ginásios fedorentos. Interessante notar como, em diversos momentos, a câmera segue o protagonista sempre pelas costas, como se sua luta não se restringisse apenas aos ringues.

O ponto de virada de Randy acontece quando ele sofre um ataque cardíaco durante um violentíssimo combate no “ringue da morte” e é proibido de fazer qualquer exercício pesado pelos médicos. É quando o protagonista tenta acertar sua vida restabelecendo laços com sua filha, arrumar um emprego “formal” e acertar a vida amorosa com a stripper Pam, interpretada com muita sensibilidade e competência por uma (aos 44 anos) sensualíssima Marisa Tomei.

Parece mais um cinemão americano né? Mas não, The Wrestler é um filme diferente e bastante reflexivo sobre o real significado do sucesso e do fracasso.

Mickey Rourke está realmente muito bem, mostrando que apesar deste ser um papel perfeito pra ele, vai além de um filme onde o ator interpreta a si mesmo (como cansou de resmungar Edwald Filho na transmissão do Globo de Ouro) e mereceu as indicações de melhor ator no Oscar, Actors Gild e o prêmio no Globo de Ouro. É interessante ver o grandalhão fragilizado, abandonado na velhice com seus óculos de grau e aparelho de surdez. O filme, dirigido por Darren Aronofsky também ganhou o Leão de Veneza e é na minha opinião uma produção memorável. Uma espécie de anti-Rocky, que fala que o sonho americano nem sempre é recheado de glórias e redenções.

O treiler é esse aqui

Cena de destaque: A conversa de Randy com o garoto da vizinhança, que enquanto jogam um jogo de luta livre (estrelado pelo próprio The Ram) no Nintendo 8 bits, discutem sobre o jogo "Call of Duty - Modern Warfare".

Cena para esquecer: O provavelmente acidental merchã da Igreja Universal do Reino de Deus na cena do lado de fora da loja de roupas. (pode ser visto também aos 00:57 do treiler oficial)

Cotação PPP: No fim do filme, o recém-nascido saiu berrando enlouquecido: “RAM JAM! RAM JAM! RAM JAM!”

Álbuns Clássicos (#2)

The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars - David Bowie (1972)


Alguns o consideram o disco mais influente do rock dos anos 70. De fato, não foi pouco o que David Bowie conseguiu com este The Rise and Fall of Ziggy Stardust and The Spiders From Mars. O quarto disco do inglês, que antes era conhecido como David Jones (por azar, o mesmo nome de um dos integrantes da famosa armação pop americana The Monkees), tirou o sobrenome artístico da marca de uma faca com a qual se cortou uma vez.

Bowie foi ziguezagueando pelos anos 60 do Blues para o Rock, do Rock para o pop, até encontrar um estilo e inventar um alterego único que o lançou ao estrelato. "Um dia David Bowie botou um vestido, pintou a cara e caiu na vida" diz Arthur Dapieve e Luiz Romanholli, em seu livro "Guia de Rock em CD". A figura andrógena do cantor e o visual extravagante purpurinado e os temas fantásticos das canções ganharam a simpatia da mídia e da crítica. Era o Glam Rock que nascia na Inglaterra e ganhava adeptos, se espalhando rapidamente e influenciando muitos dos artistas que viriam a seguir, como o Queen, New York Dolls até o Kiss e os brasileiros dos Secos e Molhados. A androgenia mais tarde seria levada as últimas conseqûencias quando, no Texas, um homem apontou uma arma para a cabeça de David e o chamou de "viado". Bowie se defendeu dizendo que era um vestido masculino. Detalhe, David Bowie tem de nascença um olho verde e outro azul, o que o ajudou a compor seu visual alienígena.

The Rise and Fall of Ziggy Stardust and The Spiders From Mars acabou transformando-o na grande sensação do rock daquele ano de 1972, com uma mistura de talento, inventividade e um bocado de senso de oportunidade. Bowie, que vinha de discos sem muita repercussão - The Man Who Sold The World (aquela música que na verdade não é do Nirvana) e Hunky Dory -, acertou ao se aproveitar da onda do glam rock capitaneada por Marc Bolan e seu T-Rex. A isso, David juntou uma boa dose de fantasia e teatro, criando uma espécie de álbum conceitual, futurista, sobre um astro de rock extraterreno e bissexual e sua saga - ascenção e queda - em nosso planeta. Tudo bem a ver com aquele imaginário da Inglaterra na época, de filmes de Stanley Kubrick como 2001 - Uma Odisséia no Espaço e Laranja Mecânica.

Bowie pintou os cabelos de vermelho e passou a vestir seu corpo branco e magro com roupas femininas. E para reforçar a exótica imagem, ainda disse em entrevistas que era gay. Assim, começavam a confundir-se o músico e o personagem, Ziggy Stardust, um prótotipo da superestrela do rock. O disco apareceu na época como uma espécie ópera-rock, com base musical de primeira - da banda Spiders From Mars, liderada pelo excelente guitarrista (e pianista) Mick Ronson - e letras surrealistas, que bateram entre a juventude como mensagens a serem decifradas.

O álbum começa com a sombria “Five Years”, que anuncia: o mundo terá apenas mais cinco anos antes do fim. Um pianão dos bons e a interpretação dramática de Bowie ajudam a compor o clima de caos que toma conta das pessoas diante do desespero. “Um tira se ajoelhou e beijou o pé de um padre / e uma bicha vomitou ao ver aquilo". Mais à frente, o rock começa a comer, em “Moonage Daydream”, com Bowie provocando: “Mantenha seu olho elétrico em mim, querida. Ponha seu disparador de raios na minha cabeça”.

Ziggy Stardust acabou rendendo alguns dos maiores sucessos da carreira do astro, como a balada especial “Starman” - que na versão dos gaúchos Nenhum de Nós, o “Astronauta de Mármore”, foi um hit no Brasil em 1989, época em que Bowie veio com a turnê de Sound + Vision (e teve que escutar muita gente cantando a música em português). “Há um homem-estrela espertando no céu / ele gostaria de vir nos encontrar / mas ele acha que piraria nossas cabeças”, canta o inglês, no delirante original.

Um clássico do disco é a faixa-título "Ziggy Stardust", tema da personagem, com letra que é repleta de imagens alucinadas. Igualmente memoráveis em Ziggy Stardust são faixas como a pré-punk “Hang Onto Yourself” e o "arrasa quarteirão" “Suffragette City”, que fala da perdição do estrelato, com mais um toque de brilho dado pela guitarra de Mick Ronson. A seguir, a história acaba em suicídio: “Rock’N’Roll Suicide”, última faixa, uma balada das mais tristes, com jeitão de soul. Tudo muito caracteristicamente Bowie, “Soul Love” e “Star” falando da fama e “Lady Stardust”, que tem um piano de fazer inveja a Elton John.

Com um disco desses, Bowie só precisou cair na estrada. Os shows do Ziggy foram coisa para ninguém esquecer, momentos que entraram para a história do rock. Davis também encenava suas músicas usando técnicas teatrais e uma boa dose de selvageria certamente inspirada em Iggy Pop and the Stooges. O Climax do show eram as insinuações eróticas entre Bowie e o guitarrista Mick Ronsosn que muitas vezes acabavam numa simulação se sexo oral com david tocando a guitarra de Mick com os dentes.

Tão forte foi a imersão do artista na personagem - a ponto de o público achar que eles eram um só - que Bowie resolveu aposentá-lo (junto com os Spiders of Mars) em 1973, após um show no Hammersmith Odeon, disponível em DVD. Não seria a primeira e nem a última metamorfose desse músico que, muito justamente, acabou ficando conhecido como "Camaleão do rock".

Notas: Ziggy Stardust foi o primeiro disco de David Bowie a chegar às paradas inglesa e americana, abrindo o caminho para que ele se estabelecesse como artista de renome no rock. Logo em seguida, ele produziria os discos Transformer (do ex-Velvet Underground Lou Reed), Raw Power (dos Stooges, banda uma de suas grandes fixações, o cantor Iggy Pop) e All the Young Dudes (do Mott The Hoople, sendo autor também da faixa-título, um clássico do rock). O relançamento de Ziggy pela Ryko, em 1990, trouxe como faixas bônus versões alternativas de “Ziggy Stardust” e “Lady Stardust” e “John I’m Only Dancing”, a inédita “Sweet Head” e o lado B de compacto “Velvet Goldmine”, que batizaria filme do cineasta Todd Haynes (muito) livremente inspirado na biografia de Bowie.



Ziggy Stardust and The Spiders From Mars
David Bowie: (Vocais, Guitarra Base e Piano)
Mick Ronson: (Guitarra Solo)
Trevor Bolder: (Baixo)
Woody Woodmansy: (Bateria)

Track List
1.“Five Years”
2.“Soul Love”
3.“Moonage Daydream”
4.“Starman”
5.“It Ain´t Easy”
6.“Lady Stardust”
7.“Star”
8.“Hang Onto Yourself”
9.“Ziggy Stardust"
10.“Suffragette City”
11.“Rock´N`Roll Suicide”
12."John, I'm Only Dancing"
13. "Velvet Goldmine"
14. "Sweet Head"
15. "Ziggy Stardust" (Original Demo)
16. "Lady Stardust" (Original Demo)

Pérolas do Cinema (#1)

O CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON (2008 - David Fincher)
Estréia amanhã nos cinemas "O Curioso Caso de Benjamin Button" do diretor David Fincher baseado num conto de F. Scott Fitzgerald, com Brad Pitt e Cate Blanchett. Graças aos milagres da tecnologia eu já consegui assistir e posso comentar aqui. A história do maluco que nasce velho e vai ficando novo conforme os anos vão passando é um belo filme, que faz você se divertir, emocionar e finalmente, refletir.
O que você faria se tivesse toda a experiência de um coroa viajado e a cara do brad Pitt?
Os atores estão excelentes, a reconstituição de época impecável, a maquiagem impressionante e o filme corre bem, apesar de ser um pouco longo (mais de 2 horas e meia) e cansar um pouco o espectador comum. Resultado geral: vale muito a pena. Na minha opinião foi uma injustiça cometida no último golden Globe, onde "O Curioso Caso de Benjamin Button" perdeu todos os prêmios que disputava.
Pitt está melhor que Rourke em "O Lutador" e considero o filme de Fincher uma obra melhor e mais completa que o badaladíssimo "Slumdog Millionaire", que avaliaremos mais tarde.
Mas enfim, prêmios são prêmios. Mais sorte no Oscar.

O treiler é esse aqui

Cena de destaque: O monólogo sobre como uma simples ação pode interferir na vida das pessoas, Benjamin na Segunda Guerra Mundial e o cara que foi atingido 7 vezes por um raio.
Cena pra esquecer: Nenhuma, é um filme memorável em todos os detalhes.

Cotação PPP: Ótimo filme, intrigante e divertido na medida certa. Compensa dar uma olhada. O recém nascido adorou!